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CAL

Si hablamos de cal todos tenemos en mente la imagen de los pueblos blancos que salpican el territorio andaluz. Todos hemos crecido viendo a nuestros abuelos “encalar” las casas anualmente y hemos sido testigos de cómo, paulatinamente, se dejó de utilizar la cal. No podríamos decir exactamente cual fue el momento en el que las pinturas plásticas irrumpieron en nuestras vidas sustituyendo a la cal, o en cuando fue la primera vez que un constructor nos miró raro al prescribir mortero de cal más allá de su uso en el mortero bastardo para el agarre de la teja.

PROPIEDADES

La realidad es que la cal es un material natural con múltiples cualidades que la hacen idónea para su uso en edificación:

  • Absorbe CO2 durante el proceso de endurecimiento ayudando a purificar el ambiente.
  • Con un proceso de fabricación natural se obtienen formas diversas libres de productos químicos, se trata de un producto natural con muy poco procesado. Es un material ecológico y respetuoso con el medio ambiente. El ciclo de la cal está dentro de la economía circular.
  • Tiene propiedades antisépticas: su alta alcalinidad evita la proliferación de microorganismos. Esta propiedad era muy importante en una época con poco acceso a la medicina y donde ésta no se encontraba muy desarrollada. Era su forma de prevenir frente a epidemias.
  • Es transpirable al vapor de agua y a su vez impermeable al agua en estado líquido: en obras de rehabilitación conviene utilizar materiales transpirables que dejen respirar al muro y evite que la humedad se quede atrapada en el mismo, lo que sucede con las pinturas plásticas. Esta ventaja se puede aprovechar igualmente en obra nueva.
  • Reducen el consumo energético gracias a sus propiedades aislantes: su color blanco refleja la radiación solar, evitando que los muros absorban energía térmica y logrando interiores más frescos.

HISTORIA

La fabricación de la cal es un proceso artesanal que generó una industria propia en Andalucía, focalizándose en Morón de la Frontera. La cercanía a las canteras de la Sierra de Esparteros, con una pureza de material del 98% de carbonato cálcico, favorecieron la creación de hornos de cal que todavía a día de hoy siguen activos.

Para la construcción de un horno de cal se elegía un terreno con pendiente considerable, cerca de la cantera de caliza y no muy lejos de donde se iba a extraer la leña.

Se construía la caja exterior mediante paredes de piedra en seco con las juntas de arcilla, era la olla. La olla contaba con unos 4 metros de diámetro y unos 2 metros de profundidad. Dejando 2 aberturas en la parte inferior, una la puerta por donde se metería la leña y la otra para ventilación del horno.

A continuación, se colocaban todas las capas de piedra caliza, manualmente, eligiendo la disposición según el tamaño de las piedras y sin ningún tipo de conglomerante.

Se remataba con un “sombrero” compuesto por una capa de cal y arcilla para impedir que el fuego saliera del horno.

El proceso tradicional podría durar varios días (según la capacidad del horno), hasta que el maestro calero daba el visto bueno. La piedra caliza se había convertido en cal viva.

En la provincia de Huelva tenemos nuestra propia cultura calera en el pueblo serrano de Santa Ana la Real.

HORNOS DE CAL DE SANTA ANA LA REAL

La industria calera de Santa Ana la Real generó una identidad y caracterizó sus relaciones con las poblaciones vecinas. Le sirvió para diversificar su economía en una comarca fuertemente marcada por la agricultura, la ganadería y la minería. Se trataba además de una actividad que se integraba a la perfección en el entorno pues demandaba para su funcionamiento recursos naturales presentes en su espacio circundante: carbonato cálcico como materia prima y leña y matorral como fuentes de energía.

Llegó a contar con una quincena de hornos que producían unos 23.000 kilos de cal en sus momentos álgidos. Pero la llegada del cemento, con una irrupción brusca y generalizada, devino en la desaparición de la industria calera.

En 1999 la Asociación Cultural Valle de Santa Ana impulsó la patrimonialización de los hornos, que fueron incluidos en el Catálogo General de Patrimonio Histórico de Andalucía.

El último horno de cal de Santa Ana la Real se apagó en 1966 y no fue hasta febrero de 2022 que tuvo lugar una nueva cocción en el “Horno del Evaristillo” tras su restauración.

Actualmente se puede recorrer el patrimonio calero de Santa Ana la Real a través del Sendero de los Hornos de Cal.

CONCLUSIONES

Como venimos diciendo habitualmente, para continuar avanzando en sostenibilidad hay que mirar hacia atrás. Las técnicas tradicionales esconden un saber popular que puede ayudarnos hoy en día a conseguir el confort sin aumentar la huella de carbono.

Nos hemos acostumbrado tanto a instalar sistemas de climatización que no concebimos construir desde el ahorro pasivo.

La cal está presente en la edificación en forma de morteros y pinturas, incluso como puente de unión entre materiales. Es un material igual o más versátil que el cemento.

El uso de la cal en sus múltiples formas ayuda a mantener los interiores frescos, a evitar la proliferación de microorganismos, a que los muros transpiren y su plasticidad hace que absorba mejor las dilataciones debidas a los cambios térmicos.

La durabilidad de la cal es mayor que la del hormigón, los restos más antiguos de cal datan del 6.000 a.C mientras que cemento se viene usando en los últimos 200 años y no se prevé esa durabilidad.

Su hándicap reside en que la cal es más cara que el cemento. Debemos aprender a mirar al futuro y priorizar el ahorro que genera a largo plazo sobre la inversión inmediata.

Fuentes: IAPH, Catálogo General de Patrimonio Histórico de Andalucía, periódicos de la provincia de Huelva y Gordillos Cal de Morón.

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CAN LIS. #VISITAAHAUS

¿Quién dice que marzo no es buena época para visitar las islas Baleares? Lejos del bullicio veraniego, es el momento perfecto para una #VisitaAHAUS

Hemos estado en Mallorca y visitando el sur de la isla, nos acercamos a PortoPetro a tentar a la suerte y pudimos entrar en Can Lis, la de Jorn Utzon y su esposa, donde se trasladaron a vivir después de la (tormentosa) obra de la Ópera de Sidney y que, hoy en día es considerada, una de las viviendas más importantes del siglo XX.

PREPARATIVOS PARA LA VISITA

Realmente no hicimos ningún preparativo para la visita, más allá de Googlear la ubicación y llamar a la puerta. Tuvimos mucha suerte de que tuviera esos días unos arquitectos haciendo una estancia en la casa y nos la enseñaron amablemente.

Pero el canal oficial dice que, si queréis visitar Can Lis, debéis contactar con la Fundación Utzon. Organizan visitas los viernes de verano, la entrada es gratuita y por orden de llegada. Dejan entrar a 25 personas a la vez, durante media hora.

Nosotros pudimos disfrutar de la casa en soledad. Ese rato, sentados en el salón de Can Lis, mirando al horizonte, no se puede describir con palabras.

LA HISTORIA DE CAN LIS

Can Lis (1972), obra de Jørn Utzon en Mallorca, es la casa donde se trasladó a a vivir tras dejar la obra de la Ópera de Sidney en 1966. Se trata de una casa situada en un acantilado frente al mar, cerca de Portopetro.

En un primer momento, la familia Utzon compró un terreno en las montañas (donde hoy en día se sitúa Can Feliz, otra vivienda de Utzon que no se puede visitar), pero las autoridades del momento no le dieron el permiso para construir allí. Por eso, Utzon compró esta parcela en un acantilado cerca de Portopetro.

Décadas después, acosados por las visitas, la familia abandona Can Lis y se traslada a Can Feliz. 

LA CASA

Una de las genialidades de Can Lis es la reinterpretación de una casa tradicional mallorquina, la forma de construcción y el uso de materiales locales.

La planta de Can Lis está marcada por el día a día de la familia Utzon. . Jørn Utzon siempre decía que la arquitectura no es su forma externa, sino que es esencialmente el marco que encierra una sucesión de rituales y eventos.

Fue con la ayuda de un constructor local, Jaime Vidal, como de los primeros bocetos de Utzon emergió el diseño final durante la ejecución de las obras.

La fundación Utzon compró Can Lis en 2011 y llevó a cabo una restauración de la Casa para eliminar elementos que no fueran los estrictamente originales y convertirla en el refugio de artistas y arquitectos que es hoy.

El uso de estos huecos abocinados en el salón y los dormitorios le da, a los tres pabellones situados a la izquierda de la entrada un carácter de estancias principales, donde se llevan a cabo los rituales más sagrados de la vida en familia. No los verás en la zona de la cocina, los baños o el patio.

El mobiliario es muy sobrio, casi inexistente.

En general, se respira paz.

“Ser arquitecto significa tener una fantástica profesión. Para mí ha sido un regalo del cielo”. (UTZON)

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VILLA SAVOYE DE LE CORBUSIER. #VISITAAHAUS

Hemos estado en la Villa Savoye y esto es todo lo que necesitas saber si quieres visitarla.

Hace unos meses, volvimos a hacer una de las cosas que más nos gusta, una #VisitaAhaus. Nos desplazamos a París y dedicamos una mañana a conocer uno de los grandes iconos de la arquitectura del siglo XX: La Villa Savoye de Le Corbusier. Si estás pensando en viajar en las fiestas, te contamos lo que necesitas saber si quieres visitarla: localización, transporte, precio, etc.

PREPARATIVOS PARA LA VISITA

Si estás pensando visitar la casa te recomendamos que lo organices con tiempo ya que, aunque podrías comprar la entrada sobre la marcha, es recomendable tener una reserva con la hora de entrada.

Las entradas se pueden comprar online a través de esta página web. Nosotros las compramos con un par de días antes de la visita, así que no requiere demasiada antelación.

El vídeo explicativo que verás al principio de la visita (en el garaje de la vivienda) tiene el audio en francés, subtitulado al inglés.

Es recomendable contar como mínimo con dos horas para la visita.

LOCALIZACIÓN Y TRANSPORTE: CÓMO IR

La Villa Savoye se encuentra en el numero 82 de la rue de Villiers, en Poissy, una zona residencial,  a unos 30 km del centro de París. Tardarás una hora en llegar tanto si decides ir en coche como si usas el transporte público. Como aprovechamos un viaje a París para ir a conocerla, utilizamos el  tren de cercanías RER A hasta la estación de Poissy y de allí, fuimos dando un paseo. No es el paseo más bonito del mundo, pero la llegada a la casa merecerá la pena.

PRECIO Y ACCESO A LA CASA

Hay una entrada general sin guía que cuesta unos 8€ y hay una entrada gratuita para menores de 18 años y estudiantes. Es obligatorio el uso de mascarilla en el interior (al menos en el momento de nuestra visita). No hay parking ni tampoco una consigna donde puedas dejar tus pertenencias o maletas durante la visita.

Podrás acceder libremente a la parcela y descansar en la explanada de césped que rodea la vivienda, incluso aunque no tengas entrada o para esperar a que llegue la hora de tu visita.

Está permitido hacer fotos para uso personal durante todo el recorrido. Es más, creemos que no verás a nadie que no esté fotografiando cada rincón de la casa. La mayoría de ellos seguramente serán estudiantes de arquitectura o arquitectos babeando.

HISTORIA DE LA VILLA SAVOYE

Entre 1929 y 1931, Le Corbusier y Pierre Jeanneret construyen esta villa por encargo de los Savoye para que fuera su casa de vacaciones y que acabó convirtiéndose en el manifiesto de los 5 puntos para una nueva arquitectura que son el resumen de su teoría arquitectónica: pilotis, fachada libre, ventanas corridas, planta libre y terraza-jardín.

Durante la II Guerra Mundial la villa fue ocupada y posteriormente abandonada, llegando a un grave estado de conservación. En 1958 pasa a ser propiedad municipal y posteriormente  Poissy la cederá al Estado francés para su restauración.

En 2016 la UNESCO la incluyó en la Lista de Patrimonio Mundial junto con otras 16 obras de Le Corbusier.

Le Corbusier escribiría sobre ella “Es una verdadera promenade architectural”. Al entrar “el espectáculo arquitectónico es inmediatamente perceptible; se sigue un recorrido, y las variadas perspectivas se suceden una tras otra; jugamos con la afluencia de la luz, iluminando muros o creando sombras”.

EL EXTERIOR DE LA VILLA SAVOYE

Esta “caja en el aire” como la llamaba su creador se encuentra al fondo de la parcela.

Lo primero que nos encontramos al entrar en la parcela es La Casa del Jardinero, prototipo de una vivienda unifamiliar mínima, diseñada por Le Corbusier para una familia de 3 personas, con el espacio totalmente optimizado con muebles integrados, agua corriente y electricidad (éstas últimas una auténtica modernidad para la época).

No la pudimos visitar por estar en reformas. Aun así, sabemos que tiene 45 m2 e incluye, en planta baja, una pequeña habitación y un lavadero/ducha y, en la planta superior, un dormitorio separado de la cocina por un armario, la sala de estar, un dormitorio individual y un aseo.

Al fondo del camino, la primera impresión de la casa es su fachada sureste. Geométrica y depurada, esta fachada es la encarnación del Movimiento Moderno.

En el lado opuesto, en la fachada noroeste se encuentra la entrada principal. Los pilotis mantienen la primera planta prácticamente suspendida, y su horizontalidad se ve acentuada por la ventana corrida. Los muros de la última planta son semiesféricos, así el arquitecto dinamiza su fachada y le da un carácter único.

LA VILLA POR ESTANCIAS

El camino de grava, bordeado de rosales, servía para la entrada de coches de la familia Savoye y será el que nos conduzca a la vivienda. La planta baja se curva para facilitar el giro de los vehículos.

La visita interior comienza desde la entrada principal. Una mampara vidriada ilumina el hall. El vestíbulo, muy luminoso, es el propio de una casa burguesa, con una puerta doble para los propietarios y visitas y una simple puerta lateral para el servicio cerca de la escalera.

A la derecha de la entrada principal se sitúa un pequeño mostrador para enseñar el ticket con la entrada. Por una pequeña puerta te guiarán hacia el garaje para ver el video introductorio de la visita. El garaje, ahora vacío, podía recibir tres coches aparcados en espiga. Ciertamente no es el mejor lugar para empezar la visita, porque distorsiona la experiencia del paseo arquitectónico buscado por Le Corbusier con su diseño.

El resto de la planta baja lo ocupan dos habitaciones para el servicio, equipadas cada una con lavabo y radiador; el lavadero con dos grandes pilas de hormigón en bruto, y el estudio del chófer que incluía, además del dormitorio, un baño y una sala de estar en relación con el garaje.

Es sorprendente la luz que tiene el lavadero, con un gran ventanal hacia el suereste, que funciona también como un jardín de invierno. El estudio del chófer no se puede visitar.

De vuelta al vestíbulo encontramos los dos elementos principales que nos acompañarán durante toda la visita: la escalera de caracol y la rampa.

La escalera es del tipo de caracol y conecta todas las plantas de la vivienda. Su uso estaba reservado al servicio de la casa pero Le Corbusier en lugar de esconderla, la destaca, como si fuera una escultura de hormigón armado.

La rampa, reservada para los Savoye y sus invitados, es el alma de la vivienda, es lo que te permite deambular mientras asciendes. Libera la mirada del visitante y permite disfrutar de los puntos de vista sobre los volúmenes y los juegos de la luz. También podrás pararte a ver el escaso cariño en su conservación (ay!).

La rampa te conducirá a la zona noble de la planta primera y a las terrazas de la cubierta.

El salón de la villa Savoye sorprende por sus 86 m2. Tiene un gran ventanal corredero orientado al sureste que da a la terraza-jardín y sus paredes son de colores. Le Corbusier creía firmemente que los colores afectaban al estado de ánimo de los usuarios y ayudaban a crear atmósferas. Aunque hoy visitamos la vivienda sin muebles añadidos, tal y como el arquitecto la entregó a sus propietarios y en el salón sólo vemos la chimenea, sabemos que los Savoye colocaron el comedor cerca de la pared azul y el salón junto a la pared rosa.

Junto al salón se dispone la cocina, a la que se accede a través de la despensa y que está equipada con alacenas y pasaplatos. Da la sensación, por el alicatado blanco de las encimeras y muebles, de ser un laboratorio y no es el único principio higiénico de la casa.

En la fachada opuesta, y con la misma orientación que el ventanal del salón, se dispone el dormitorio principal y el del hijo. 

El dormitorio principal ocupa una zona de 60 m2 y está formado por una entrada, el baño, la zona del dormitorio y pequeño despacho (o boudoir) con una mesa ingrada bajo la ventana y vistas hacia la terraza-jardín. La posición de la cama está “sugerida” por dos pilares que estarían enmarcando el cabecero y el baño es de inspiración oriental y solo se separa de la habitación por una cortina. El diván alicatado, que es la pieza que llama más la atención del baño, recuerda a la butaca LC4 diseñada por Le Corbusier, Charlotte Perriand y Pierre Jeanneret.

El dormitorio para el hijo de los Savoye, tiene un espacio para dormir, un baño con dos puertas (para que accediera tanto él como sus amigos) y una zona de estudio con una mesa de hormigón. El espacio es estrecho, pero la luz es magnífica y me habría quedado a vivir allí. Estuvimos mucho tiempo ahí, lo reconozco. 

Existe un tercer dormitorio para invitados, con un armario integrado y que separa el suelo de parquet del dormitorio del baño alicatado. Los baños se iluminan cenitalmente a través de lucernarios que nos encotraremos más adelante en la cubierta.

LOS ESPACIOS EXTERIORES

Junto al final de la rampa que nos conduce a la planta primera hay una puerta que nos conduce de la terraza-jardín. Es un jardín en azotea que tiene una parte cubierta (protegida del viento y de la lluvia) y otra al aire libre, con una mesa como mobiliario integrado.

Las aberturas rectangulares de los muros perimetrales, continuación de las ventanas corridas, enmarcan las vistas al paisaje.

Dos jardineras de hormigón ocultan los lucernarios del garaje y aportan verdor al jardín. En teoría, la junta entre el pavimento debería servir para que creciera el verde pero, en la época de nuestra visita, ese efecto no se conseguía.

La rampa y la escalera continúan su ascenso hasta la segunda planta o solárium. Se podría decir que su arquitectura recuerda el estilo aerodinámico (estilo derivado del art decó y que incorpora elementos náuticos como ojos de buey, barandas, etc.). Los muros que sirven para cortar el viento, recuerdan chimeneas de barcos.

El hueco en el muro, en el eje de la rampa, es la conclusión de la promenade que ofrece, como un cuadro, la contemplación del espectáculo en el valle del Sena.

CURIOSIDADES Y RECOMENDACIONES FINALES

Villa Savoye es la última de la serie de doce villas puristas creadas por Le Corbusier entre 1922 y 1931. Encarna lo esencial de su pensamiento sobre la arquitectura moderna: ausencia de ornamentos, formas geométricas y el uso del hormigón armado y el vidrio.

¿Sabías que además de no esconder la escalera de servicio, Le Corbusier colocó un lavabo  de pie en el vestíbulo de la vivienda? Los principios higiénicos van de la mano de la arquitectura moderna. Está solo, de pie, como una escultura. Es una ubicación radical, ya que no se encuentra en una estancia sanitaria, sino en la entrada, el espacio donde se recibe a los visitantes.

Aunque en la versión de proyecto, el lavabo estaba un poco más oculto, en la versión construida, el lavabo se ubica alineado con los pilares centrales que bordean la rampa mientras que la escalera ocupa su antiguo emplazamiento. Este objeto industrial adquiere un estatus casi religioso, como una fuente de agua sagrada, convirtiéndose en paso obligado al principio del recorrido de la villa. El paso de la pandemia de la Covid-19 por nuestras vidas le dan una nueva dimensión a este lavabo en la entrada de una vivienda.

Villa Savoye es una verdadera joya y tras la visita entiendes por qué es tan especial. Su diseño sigue resultando completamente actual a pesar de sus casi 100 años de vida.

LAS DOS ESCUELAS

Desde AHAUS no escondemos que sentimos debilidad por la arquitectura de Álvaro Siza y por la conocida como Escola do Porto, conformada por arquitectos como Aires Mateus, Fernando Távora o Souto de Moura entre otros.

Los caracteriza su defensa del dibujo como elemento básico del proyecto y la continuidad de lo moderno como un valor cultural a preservar. Se trata de un racionalismo continuador de las propuestas de los italianos Tendenza, de esta forma sus obras evolucionan hacia un purismo formal que reivindica los valores de los maestros del movimiento moderno.

En contrapunto a la Escuela de Oporto encontramos otra manera de entender la arquitectura, la Escuela de Lisboa. Surge de esta manera una escisión entre dos formas de ver la arquitectura, en la Escuela de Lisboa se desarrolla un rechazo a la seriedad y al espíritu del movimiento moderno. Son defensores del placer, la moda y la experimentación innovadora con colores y materiales, estando fuertemente influenciados por las distintas tendencias de la postmodernidad. Su representante más destacado es Tomás Taveira.

En una de nuestras visitas al Algarve conocimos los edificios de apartamentos de la Marina de Albufeira, obra de Tomás Taveira. Gracias a (o por culpa de esos) edificios nos hemos visto obligados a profundizar en “las dos arquitecturas portuguesas”. Edificios llamativos desde la distancia por sus coloridas fachadas de tonos pastel. Aunque no reserva el uso del color para el ámbito doméstico, el estadio de fútbol de Aveiro, el Estadio José Alvalade en Lisboa o el Estadio Maglhães Pessoa en Leiria, comparten el uso indiscriminado del color.

Este uso estridente, exuberante y desenfadado del color se interpreta en un contexto de provocación frente a las posturas arquitectónicas conservadoras, Taveira califica su arquitectura como una “gradual renuncia al “puritanismo”, abrazando el colorido y la diversidad”. Sus edificios resultan en ocasiones desconcertantes y en apariencia no se vinculan con el paisaje circundante. El complejo de oficinas y centro comercial de Amoreiras tiene un lenguaje que mezcla la tendencia pop del postmodernismo, la manipulación de los estilos históricos y la utilización del color como forma de impacto. El conjunto crea su propia identidad, al margen del entorno de edificios blancos.

El empleo de colores tan contrastantes, sumado a la capacidad espacial de los tonos para modificar la percepción del observador, provocan que los volúmenes construidos sean percibidos como una serie de planos independientes los unos sobre los otros, dificultando incluso la valoración de la orientación del sol y la dirección de las sombras arrojadas. De esta forma el conjunto edificado construye un paisaje propio que llama la atención sobre sí mismo y se desvincula del contexto.

Tras sus proyectos se puede ver la influencia de otros arquitectos: M. Graves, J. Stirling o Ricardo Bofill como base de un lienzo que Taveira ha terminado de pintar con un estilo propio. Ni Graves, Stirling o Bofill abusaron de la paleta cromática, más bien utilizaban el color como forma de enfatizar ciertas cualidades de su arquitectura o complemento de la misma.

En la obra de Taveira el color devora su arquitectura y nos impide emitir una opinión sobre si es una buena o mala arquitectura, podemos decir que “el color no nos deja ver el dibujo”.

IMAGEN 01_SIZA. Capela do Monte. Portugal.

IMAGEN 02_AIRES MATEUS. Centro de reuniones en Grândola. Portugal.

IMAGEN 03_TOMAS TAVEIRA. Estación de metro Olaias. Lisboa. Portugal.

IMAGEN 04_TOMAS TAVEIRA. Estadio de Aveiro. Portugal.

IMAGEN 05_TOMAS TAVEIRA. Edificio Amoreiras. Lisboa. Portugal.

IMAGEN 06_TOMAS TAVEIRA. Marina de Albufeira. Portugal.

IMAGEN 07_MICHAEL GRAVES. Colegio St Coletta of Greater. Washington. Estados Unidos.

IMAGEN 08_RICARDO BOFILL. La muralla roja. España.

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¿CUÁL ES TU OBRA FAVORITA? 3/3

Después de ver los videos de Stepien y Barnó en los que un grupo de arquitectos hablan de sus obras favoritas, nos quedamos con muchas ganas de ver imágenes de todas esas obras y saber un poco más de ellas, y nos consta que no solo nos pasó a nosotros… Interesante por descubrir obras no tan conocidas y la visión personal de cada arquitecto en relación a ellas.

Hoy repasamos las obras favoritas de FERMÍN BLANCO, MANUEL SAGA MARÍA JESÚS GONZÁLEZ . Os invitamos a descubrirlas con nosotros.

Se trata de un elemento estructural singular con forma de paraguas invertido y planta octogonal, con un único apoyo en el centro de la estructura. Su diámetro llega a los 40 m y cubre una superficie aproximada de 1.250 m2. Estas grandes dimensiones, unidas al sistema constructivo empleado, hacen de este elemento una estructura única en el mundo.

“Pieza interesantísima para el espacio público cubierto.”

2-IGLESIA DE PUMAREJO DE TERA – MIGUEL FISAC, 1985. Melgar de Tera, España.

El proceso de construcción de la iglesia constituye en sí mismo un singular ejemplo de la organización de un pueblo para la consecución de un bien común, la última «facendera», es decir, un sistema de organización de tiempo inmemorial, ya caído en el olvido, que permitía en determinadas épocas del año realizar obras a favor de la comunidad. La construcción de la iglesia se convierte en un fenómeno social en el que todo un pueblo seduce a un arquitecto de prestigio para realizar de modo altruista un proyecto en el que participan todos los vecinos: los abuelos amasaban el cemento, las mujeres acarreaban cubos de agua, piedras y material, y los más fuertes sacaban tacos de cuarcita al pie de la obra y los colocaban en los muros de fachada guiados por dos canteros de la zona. Se organizaron cuadrillas diarias de al menos quince personas, que de modo gratuito levantaron el templo en 73 días.

“Obra participativa y autoconstruida donde Fisac ya adelantaba temas tan presentes e importantes hoy en día como la participación ciudadana, economía circular, gestión de medios, etc.. .”

3-PABELLÓN ALEMÁN DE LA EXPO DE MONTREAL 1967 – FREI OTTO, 1967. Montreal, Canadá.

Junto con la Biosfera de Fuller y Hábitat 67 de Safdie, el Pabellón Alemán fue parte de la demostración de arquitectura moderna en la Expo; enfocándose en como el potencial tecnológico, la prefabricación y la producción en serie podían generar un nuevo enfoque humanitario dentro de la arquitectura. Esta notable colección en la Expo fue a la vez el cenit del meliorismo moderno y como su trágica caída; nunca desde ese entonces se ha visto el mundo un despliegue de arquitectura innovadora tan singularmente esperanzadora.

“Abrió una línea de investigación en un campo híbrido entre la arquitectura y la ingeniería, y todo con una clave ambiental y paisajística.”

1-SALK INSTITUTE – LOUIS KAHN, 1959-1965. San Diego, Estados Unidos.

El proyecto no contó con un programa formal inicial sobre el que trabajar sino que fue surgiendo de las conversaciones entre cliente y arquitecto. Este buen entendimiento entre ambas partes ha sido sin duda uno de los factores fundamentales que han permitido que esta obra sea considerada de las más importantes de Kahn; en ella tuvo prácticamente total libertad para expresar sus ideas.

Kahn consiguió persuadir al cliente de que era necesario crear dos entornos físicos separados, uno para el reino conceptual del intelecto y otro para el reino procesal de la investigación empírica: el primero formado por células de estudio bien amuebladas frente a un patio comunal interior y el segundo un espacio de galería con buenos servicios.

“Fue curioso como tras conversaciones con Luis Barragán, Kahn decidió que el patio tenía que ser un espacio totalmente libre y limpio para que reflejara mejor todas las cualidades del paisaje que tanto disfrutan las personas que trabajan allí.”

2-BIBLIOTECA VIRGILIO BARCO – ROGELIO SALMONA, 2001. Bogotá, Colombia.

El diseño presenta una estructura circular, tiene tres pisos. Sin embargo, desde el exterior luce como una estructura de baja altura, que se integra a los cerros orientales de Bogotá.

“No solo se trata de una biblioteca y todos sus espacios sociales, es una suerte de monumento/conjunto arquitectónico construido con una maestría impresionante.”

3-PALACIO DE COMARES DE LA ALHAMBRA – siglo XIV. Granada, España.

Tiene planta rectangular con un gran patio central porticado en los extremos más cortos y en el que se localiza una alberca. En el norte del patio encontramos las dependencias privadas del sultán: utilizaba la planta baja, compuesta por la sala de la Barca, en verano y la planta alta, formada por las alcobas laterales, en invierno. En esta zona también se encuentra el Salón de Embajadores: salón con planta cuadrada con salientes a los lados a modo de alcobas, posiblemente su función fuera la recepción de audiencias y actos oficiales. La zona sur del patio la encontramos remodelada tras la construcción del palacio de Carlos V, pudiera ser para el heredero, mientras las concubinas y el servicio se encontraban tras la fachada principal al patio del Mexuar.

“Sorprende como sus materiales, en principio relativamente sencillos y económicos, pueden llegar a convertirse en materiales riquísimos por las horas de trabajo que tienen encima así como por entender la luz, la atmósfera de Granada y todo su entorno.”

1-CASTELLANA 112 – JOSÉ TAMÉS ALARCÓN, 1956. Madrid, España.

Tiene una planta cuadrada con un amplio patio central ajardinado y entradas por la calle Joaquin Costa y el paseo de la Castellana.

Rasgo peculiar de este edificio es la disposición en fachada de cuatro altorrelieves representativos de las cuatro estaciones del escultor Ángel Ferrant a los que hay que añadir otros bajorrelieves con temas florales y cultivos de Eduardo Carretera. Dos grupos murales situados en la entrada del paseo de la Castellana se deben a Amadeo Gabino, siendo de Antonio Cano la escultura con la imagen de San Isidro dispuesta en el patio central.

“Es interesante porque representa el paso a una arquitectura más moderna en el Madrid de la época. Además serviría como sede del instituto de los poblados de colonización y ya sabemos por el tipo de arquitectura que se apostó en esos poblados.”

2-CENTRO DE FORMACIÓN PROFESIONAL SANTAMARCA – MORENO BARBERÁ, 1970-1972. Madrid, España.

Consta de dos cuerpos independientes de seis alturas, en forma de pastilla, conectados por un conjunto de patios ajardinados y cuerpos bajos perforados por ventanales corridos que contrastan con ellos por su mayor sensación de fragilidad y ligereza. La construcción de los dos bloques principales, de hormigón visto, incluso en la potente marquesina de entrada y en ciertos detalles de decoración, recuerda a la arquitectura japonesa de este género. Las fachadas más largas se aligeran en gran medida del peso que les confiere su rotunda fábrica de hormigón al estar protegidos los ventanales corridos, por una estructura de lamas metálicas orientables, verticales en unos casos y horizontales en otros, que protegen al edificio de la radiación solar y del ruido. Lo más característico del conjunto es su concepción arquitectónica encuadrada dentro de las tendencias brutalistas y estructuralistas que estuvieron en boga en la década de 1960.

“Volúmenes limpios y puros, utilizando el hormigón en todas sus capacidades. Es todo un repertorio de usos del hormigón armado.”

3-CONJUNTO RESIDENCIAL VISTA HERMOSA –JOSÉ LUIS GONZÁLEZ CRUZ, 1972-1975. Madrid, España.

Bloque de viviendas de alto estándar construido para clases medias altas sobre parte del solar del antiguo Estadio Metropolitano; concebido al modo plástico de las unidades de vivienda de Le Corbusier, consiste en cuatro edificios residenciales agrupados en un denso bloque prismático sobre potentes pilares-pantalla de hormigón armado que liberan la planta baja. El porte brutalista se manifiesta en la trama cartesiana del trazado, la estructura vista de hormigón armado y los paños con cerramientos en celosía. 

“Edificio de hormigón tremendamente bien utilizado. Con una utilización de los volúmenes muy nueva y muy limpia.”

DISEÑO PREMIO ELENA WHISHAW

La Mancomunidad de Desarrollo Condado de Huelva aglutina a 15 municipios y nació con el objetivo de propiciar el desarrollo local del Condado onubense. Se pretende fomentar el crecimiento económico, social y cultural de la comarca.

En el año 2017 La Mancomunidad crea los Premios Elena Whishaw, unos reconocimientos que se conceden a mujeres y entidades de la comarca por su contribución a la igualdad entre mujeres y hombres en distintos ámbitos: social, político o sindical, profesional o empresarial y académico, artístico o científico.

Diseño Premio-Elena Wishhaw-Niebla-Antonio Olaya - Ahaus arquitectos-Logo-Brand

Es por ello que encargan la creación de un diseño para el premio que se aleje del típico trofeo metálico de placa dorada con el nombre grabado.

Empezamos a desarrollar una idea basada en el carácter polifacético de Elena Whishaw. Conocida principalmente por su interés en la arqueología, esta inglesa afincada en Niebla abandonó la Inglaterra victoriana atraída por los relatos de los viajeros románticos que recorrían Andalucía.

Buscó el origen más antiguo de las poblaciones andaluzas y sobre todo se interesó por las costumbres, las tradiciones y la forma de vivir. Destacó en campos tan diversos como la historia, la mitología, las leyendas, las artes populares e incluso la música, la ciencia empírica o la historia de la lengua.

Con ese objetivo por delante, recoger las múltiples facetas de Elena Whishaw, junto con la intención de darle una imagen de actualidad al diseño, realizamos unas plantillas stencil, (técnica muy usada en los grafitis en general y en particular por el artista urbano Banksy) a partir de una imagen de la cara de Elena.

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El último paso, la formalización del diseño, estuvo compuesto de varias pruebas en diferentes formatos y materiales, para finalmente adoptar un diseño de varios paneles de vidrio de 15x15x1 cm superpuestos sobre los que se imprimen las varias capas stencil. Todos estos vidrios se colocarían sobre una base de madera de roble natural donde se grabarán el nombre del premio y de la ganadora.

De este modo cuando ves el premio de manera frontal puedes ver perfectamente la cara de Elena Whishaw formada por las distintas capas impresas en cada vidrio. En cambio, si ves el premio de manera oblicua verás manchas de diferentes tonos de grises. En resumen, se crea un diseño dinámico con muchas visiones posibles, al igual que la vida y la personalidad de Elena.

Diseño Premio-Elena Wishhaw-Niebla-Antonio Olaya - Ahaus arquitectos-Logo-Brand

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CASA DE LA JUVENTUD

La RAE define el término dualidad como la ‘existencia de dos caracteres o fenómenos distintos en una misma persona o en un mismo estado de cosas’. DUALIDAD es el lema elegido para nuestra propuesta; dos colores, dos formas contrapuestas pero unidas entre sí, dos conceptos diferentes en un mismo logotipo.

El elemento principal del logotipo es el conjunto de manos que reproducen dos de los signos más utilizados por los jóvenes en los emoticonos de las redes sociales. Representan la igualdad de género, cuestión de especial importancia para conseguir una sociedad más justa, son valores que deben educarse desde la infancia y que deberían tener más visibilidad y difusión. Estas manos poseen una geometría orgánica, hecha a mano, que se contrapone con el otro elemento importante del logotipo, la casa. Este símbolo aparece en el vacío inferior que dejan las siluetas de las manos y posee una geometría más exacta, más racional. Ambas representan los dos hemisferios del cerebro, el creativo y el lógico. Los dos tienen la misma importancia en el desarrollo y la educación de los jóvenes y es importante encontrar un equilibrio entre ambos.

La unión y el equilibrio se consigue, además de con la geometría propia de los elementos, mediante los colores utilizados, inspirados en el escudo y la bandera del municipio. El azul de las manos y las formas orgánicas de los dedos representan un cielo primaveral moguereño, cuando todo empieza a crecer, y que rodea esa casa blanca tan típica de la arquitectura local, con sus puertas abiertas a todas las personas que la necesiten. Además encontramos ese punto de color amarillo con el que se colorea el hueco que dejan los dedos de la mano izquierda y que también representa el sol y la luz de Moguer.

CARTEL SEMANA DE LA ARQUITECTURA

Desde hace unos años, el Colegio Oficial de Arquitectos de Huelva viene celebrando a principios de octubre la Semana de la Arquitectura en la que se enmarcan una serie de actividades, tales como conferencias, rutas turísticas y el acto de entrega del Premio de Arquitectura, entre otras.

Para la presentación a la sociedad de la programación de la Semana de la Arquitectura se recibe el encargo del diseño del cartel que colgará de la fachada de la Casa del Millón, sede del Colegio de Arquitectos en la calle Puerto durante el mes de octubre, el programa de actividades y el catálogo de edificios premiados.

El diseño del cartel se basa en la estética mirallesca y en el ejercicio que los arquitectos Enric Miralles y Eva Prats propusieron a sus alumnos de la Escuela de Barcelona y que titularon “Cómo acotar un croissant” /How to lay out a croissant. En este caso, y para hacer más reconocible la idea, nos olvidamos del croissant y optamos por algo más local como es la gamba blanca de Huelva, uno de los productos estrellas de la gastronomía onubense, sin restarle dificultad al ejercicio del croissant y enlazando con la Capitalidad Española de la Gastronomía que ostenta Huelva durante el año 2017 y a la que la Semana de la Arquitectura estaba dedicada.

Además, se geometriza la tipografía creada por el arquitecto catalán, para conservar toda la esencia de la estética de Miralles. Se monta todo sobre fondo blanco para que visualmente recuerde aún más al enunciado del ejercicio.

Con este diseño se pretende crear una línea de cartel-homenaje que el Colegio Oficial de Arquitectos de Huelva pueda continuar en las sucesivas semanas de la Arquitectura.